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Pablo Picasso - Historia

Pablo Picasso - Historia

Pablo Picasso

1881- 1973

Artista

El talento artístico evidente en la infancia de Pablo Picasso se materializó espectacularmente en una carrera que ayudó a dar forma al mundo del arte moderno.

Nacido en Malga España el 25 de octubre de 1881, Picasso pasó gran parte de su vida en Francia. Desde el realismo al primitivismo, el cubismo y la abstracción, la visión de Picasso fue la fuerza artística más dominante del siglo. No se limitó a pintar, explorando otros medios como la cerámica y la escultura.

El tema principal de Picasso fue explorar simultáneamente diferentes aspectos del mismo tema, dando como resultado imágenes característicamente fragmentadas.


Pablo Ruiz Picasso nació el 25 de octubre de 1881 en Málaga, España. Era el mayor y único hijo de dos hermanas menores, Lola y Concepci & # xF3n. Su padre, Jos & # xE9 Ruiz Blasco, fue profesor en la Escuela de Artes y Oficios. La madre de Pablo era María Ruiz Picasso (el artista usó su apellido desde aproximadamente 1901 en adelante). Se rumorea que Picasso aprendió a dibujar antes de hablar. Cuando era niño, su padre lo llevaba con frecuencia a las corridas de toros, y una de sus pinturas anteriores era una escena de una corrida de toros.

En 1891 la familia se traslada a La Coru & # xF1a, donde, a los catorce años, Picasso comienza a estudiar en la Escuela de Bellas Artes. Bajo la instrucción académica de su padre, desarrolló su talento artístico a un ritmo extraordinario.

Cuando la familia se mudó a Barcelona, ​​España, en 1896, Picasso logró ingresar fácilmente a la Escuela de Bellas Artes. Un año después fue admitido como estudiante avanzado en la Real Academia de San Fernando en Madrid, España. Demostró su notable habilidad al completar en un día un examen de ingreso para el cual se le permitió un mes entero.

Picasso pronto encontró el ambiente de la academia sofocante y regresó a Barcelona, ​​donde comenzó a estudiar arte histórico y contemporáneo por su cuenta. En ese momento Barcelona era el centro cultural más vital de España, y Picasso se unió rápidamente al grupo de poetas, pintores y escritores que se reunieron en el famoso café & # xE9 Els Quatre Gats (Los cuatro gatos). Entre 1900 y 1903 Picasso permaneció alternativamente en París, Francia y Barcelona. Tuvo su primera exposición individual en París en 1901.


Nacimiento y vida temprana

Nacido el 25 de octubre de 1881 en Málaga, España, Pablo Picasso era hijo de Don José Ruiz Y Blasco y Maria Picasso Y López.

Pablo optó por utilizar el apellido de su madre como apellido en lugar del de su padre. Por eso pasó a llamarse Pablo Picasso.

Su padre fue pintor y profesor de arte en la Escuela de Arte de Barcelona. A Pablo le encantaba dibujar desde muy pequeño. Un talento prodigioso, se ha dicho que las primeras palabras que pronunció cuando era un bebé fueron "piz", que en español significa "lápiz". A los 13 años, la habilidad y el talento de Picasso superaron a los de su padre.

Al crecer, no estaba entusiasmado con la escuela y las reglas estrictas, ya que quería convertirse en artista. A los catorce años ingresó en una escuela de arte de gran prestigio en Barcelona. Normalmente, uno tenía que tener al menos 18 años antes de ser admitido en la escuela, sin embargo, Picasso era tan talentoso que ganó la admisión a la escuela incluso antes de los 18. Picasso no estaba muy interesado en el arte clásico y la historia. Buscó crear su propio estilo en lugar de emular el estilo de los artistas que vivieron hace varios cientos de años.

Picasso, que entonces tenía 16 años, se dirigió a Madrid, donde asistió a otra prestigiosa escuela de arte llamada San Fernando Royal College of Art. De nuevo frustrado por las estrictas reglas de la escuela, Picasso solo se quedó en la escuela hasta los 18 años antes de partir hacia París.

Sabías: ¿Pablo Picasso vendió su primer cuadro cuando solo tenía ocho años?


La historia de la cerámica de Picasso: cómo Picasso cambió la cerámica para siempre

Entre los años 1946 y 1973, Pablo Picasso creó una impresionante colección de obras de cerámica originales.

Durante los últimos cincuenta años, Park West Museum ha desarrollado una de las mayores colecciones de cerámica de Picasso del mundo. Nuestra colección actual incluye 98 obras individuales, que cubren una amplia gama de técnicas y temas de Picasso.

Pero, ¿cómo fue que Picasso, más conocido por sus pinturas, se interesó por primera vez en la cerámica? ¿Y cómo encaja su cerámica en su obra más amplia? Únase a nosotros para esta breve historia de Cerámica de Picasso, el resultado de un período verdaderamente notable en la vida de uno de los más grandes artistas del siglo XX.

Después de la Segunda Guerra Mundial, mi padre exploró todo el potencial del trabajo en cerámica, incluidas las diferentes técnicas de pintura con deslizamientos y esmaltes. Durante un período de unos veinte años modeló, modeló, diseñó, decoró, grabó y talló más de 3.500 objetos de barro cocido. La gran invención y originalidad de este gran cuerpo de trabajo ha establecido su importancia en el desarrollo de la cerámica artística del siglo XX.

—Claude Picasso, de & # 8220Picasso: pintor y escultor en arcilla, & # 8221 Real Academia de las Artes, 1998.

Selecciones de la colección de cerámica Park West Picasso.

CERÁMICA PICASSO: ORÍGENES

Pablo Picasso es conocido por muchas cosas, pero quizás su mayor contribución a la cultura moderna fue su inquebrantable afán por experimentar.

Antes de cumplir los sesenta años, Picasso ya se había labrado un lugar imborrable en la historia del arte. Fue cofundador del cubismo, evolucionó a través de sus diversos "períodos", pintó "Guernica", grabó y grabó su famosa "Suite Vollard" y fue objeto de una importante retrospectiva del Museo de Arte Moderno, entre otros hitos históricos y extraordinarios.

La mayoría de los artistas mayores de 60 años, con tantos logros a sus espaldas, todavía no estarían buscando nuevos horizontes artísticos para explorar, pero Picasso no era un artista ordinario.

Siempre estaba buscando, siempre experimentando con nuevas formas de expresarse artísticamente. Tras el final de la Segunda Guerra Mundial, un fatídico viaje al sur de Francia inspiró un capítulo completamente nuevo en su carrera.

Selecciones de la colección de cerámica Park West Picasso.

En julio de 1946, Picasso visitó Vallauris, Francia, por primera vez en compañía de Françoise Gilot (madre de Claude). La pequeña ciudad costera era conocida por su cerámica, y Picasso se enamoró rápidamente de la cerámica producida por el Atelier Madoura, propiedad de Suzanne y Georges Ramié.

Picasso había experimentado con la cerámica en el pasado, disparando algunos jarrones con escultores como Paco Durrio y Jean van Dongen, pero al presenciar el trabajo en Madoura encendió un fuego en el artista.

Se asoció con los Ramiés para comenzar a producir su propia cerámica, marcando el comienzo de uno de los períodos más prolíficos de su carrera.

CERÁMICA PICASSO: INSPIRACIONES

Pero, ¿por qué Picasso, un artista que había explorado otros medios artísticos antes, estaba tan interesado en la cerámica?

Hubo varias razones. Una era que estaba intrigado por la rapidez y el bajo costo con que podía crear estas nuevas obras de cerámica. En una época en la que solo los ricos podían permitirse sus pinturas y esculturas, Picasso acogió con agrado la idea de que su alfarería y sus cerámicas podrían pertenecer a la gente común en el mundo de la posguerra.

A Picasso también le encantaba la idea de que sus obras de cerámica fueran tanto estéticamente agradables como funcionales; con frecuencia regalaba sus ollas, platos, jarras y cuencos a amigos y familiares.

Selecciones de la colección de cerámica Park West Picasso.

Más que nada, Picasso estaba ansioso por probar el potencial creativo de este nuevo medio.

“Mi padre nunca se consideró alfarero”, dijo Claude Picasso. "Pero se acercó al medio de la arcilla como lo haría con cualquier otro para descubrir qué podían ofrecerle los materiales y técnicas del taller del alfarero y qué podía descubrir al sondear sus cualidades o posibilidades inherentes".

Uno de los propietarios del Atelier Madoura, Georges Ramié, expresó sentimientos similares sobre la feroz curiosidad de Picasso.

Siempre que Picasso decide abordar nuevos materiales, para satisfacer su insaciable deseo de descubrir las particularidades de cada medio, se siente liberado de cualquier tipo de gravedad que pueda impedir su vuelo. Parece desarrollar una nueva agudeza en su búsqueda de encuentros peligrosos con interferencias nocivas que se burlan de él en las sombras. Y esto inmediatamente lo llena de un increíble ingenio de orden práctico.

- Georges Ramié, de & # 8220Cerámica de Picasso, & # 8221 Chartwell Books, 1974

CERÁMICA PICASSO: RETOS TÉCNICOS

Como señaló Claude Picasso, su padre no era un alfarero capacitado, por lo que, la mayoría de las veces, Picasso aprendió haciendo. Se dedicó a su trabajo, aprendiendo el exigente arte de la cerámica a menudo por ensayo y error.

Picasso instaló un espacio de trabajo para sí mismo en un taller cerca de Madoura, donde esbozaría sus diseños para nuevas obras de cerámica. Cuando llegaba al taller de alfarería, Picasso se sumergía en las dificultades de dar vida a sus conceptos.

A veces se encontraba con problemas estructurales, como por ejemplo, cómo incorporar mejor elementos tridimensionales en las superficies planas de sus placas. Otras veces, se enfrentó a problemas relacionados con la decoración de sus cerámicas.

& # 8220 Hibou Brilliant (AR 285) & # 8221 (1955), Pablo Picasso

Varios esmaltes y óxidos que Picasso usaría para pintar la superficie de su cerámica parecían opacos o casi transparentes mientras se aplicaban, solo para que sus colores cobran vida vívidamente, ya veces de manera impredecible, durante el proceso de cocción en el horno.

Picasso solo pudo anticipar cómo aparecerían esos colores en su trabajo de cerámica a través de una larga y dura experiencia.

& # 8220Visage aux Yeux Rieurs (AR 608) & # 8221 (1969), Pablo Picasso

Georges Ramié describe el proceso de la siguiente manera:

Cada tipo de materia influye y determina a los demás, ya sea por separado o en conjunto, en condiciones muy específicas. El resultado de su interacción tiende a ser constantemente alterado por reacciones de tipo elemental que pueden producir modificaciones superpuestas, destruyéndose, fortaleciéndose, dividiéndose, repitiéndose o multiplicándose, siendo todos estos fenómenos determinados por la temperatura, la humedad y duración, y en ocasiones incluso por la influencia de residuos muy antiguos.

… Como se puede ver, el campo es enorme. Como cualquier otra esfera del conocimiento humano, tiene un área ilimitada para explorar. (Chartwell, 1974)

Afortunadamente, Picasso estaba preparado para el desafío, y puedes ver la evolución de su talento con la cerámica en toda la colección del Park West Museum.

& # 8220Visage de Profil (AR 209) & # 8221 (1953), Pablo Picasso

CERÁMICA PICASSO: TEMAS Y MOTIVOS

Al contemplar la cerámica de Picasso, ciertos sujetos e imágenes hacen apariciones recurrentes.

La iconografía de la tauromaquia se puede ver con frecuencia en las cerámicas de Picasso: toros, matadores, banderilleros y la plaza de toros. A menudo evoca la forma de la plaza de toros en sus placas elípticas más largas, en las que el espectador asume el papel de un espectador de arriba, ya que los toros y los toreros se centran en el centro.

& # 8220Chouette Femme (AR 119) & # 8221 (1951), Pablo Picasso

Los animales como los toros son habituales en las obras de barro de Picasso. Ramié señaló que Picasso se destaca por dar vida a "formas antropomórficas o zoomorfas". Además de los poderosos toros, vemos una amplia selección de aves: palomas, palomas y aves rapaces. Varios jarrones están esculpidos para parecerse a las caras de los pájaros, y los cántaros se transforman en búhos vigilantes.

La alegría de Picasso brilla a través de estas obras aviares, en particular, con sus diseños más esculpidos que aportan una gran personalidad a sus cántaros y jarrones.

Picasso incluso da vida a formas de aves más exageradas y fantásticas, que juegan con su persistente interés en la mitología. Su cerámica no solo presenta cabras, sino también faunos y sátiros, cuyas figuras evocan imágenes de bacanales y tramposos traviesos.

& # 8220Pichet Grave Gris (AR 246) & # 8221 (1954), Pablo Picasso

El mítico minotauro mitad hombre, mitad toro es otro de los motivos repetidos del artista. Picasso dijo una vez: "Si todos los caminos que he recorrido estuvieran marcados en un mapa y unidos con una línea, podría representar un minotauro".

& # 8220Cruchon Hibou (AR 293) & # 8221 (1955), Pablo Picasso

El rostro de una musa femenina también hace múltiples apariciones en la cerámica de Picasso, a veces tallada en un plato o rodeando un jarrón redondeado.

Este se cita a menudo como el rostro de Jacqueline Roque, la segunda esposa de Picasso, a quien conoció en Madoura en 1953. La pareja se casaría en Vallauris en 1961 y permanecerían juntos hasta la muerte de Picasso en 1973.

Los diseños de su plato "Jacqueline au Chevalet" (Jacqueline at the Easel 1956) capturan a Roque de pie en el lugar de trabajo de la artista, mostrando cómo Picasso la consideraba integral a su trabajo en ese momento.

& # 8220Jacqueline au Chevalet & # 8221 (Jacqueline en el caballete 1956), Pablo Picasso. Plato de cerámica de loza blanca, pintado y vidriado.

CERÁMICA PICASSO: LEGADO

Una de las cosas que atrajo a Picasso a la cerámica fue la capacidad del medio para crear múltiples ediciones de sus diseños, como un grabado o una litografía. Por lo tanto, los estudiosos dividen en gran medida su trabajo de cerámica en dos categorías: las impresiones cerámicas originales y las ediciones según los originales.

& # 8220Chouette (AR 602) & # 8221 (1969), Pablo Picasso

Al discutir el término "original", Georges Ramié señala que:

Se ha permitido que este término de aceptación pública y universal se aplique de manera similar a toda obra gráfica en la que el medio generador (piedra, madera, cobre, yeso) haya sido efectivamente entregado por la mano del creador, pero el apoyo definitivo se obtiene por la intervención. de un artesano que trabaja bajo la supervisión personal del artista, permitiendo ediciones de una cantidad limitada y numerada de copias y, por lo tanto, autenticando y garantizando esta serie original. (Chartwell, 1974)

Estas ediciones de cerámica, que varían en tamaño de 1 a 500, ofrecen una visión fascinante de la evolución artística de uno de los más grandes artistas del siglo XX.

Selecciones de la colección de cerámica Park West Picasso.

Según Claude Picasso, la implicación de su padre con su cerámica fue "tan profunda y personal ... que, hasta hace poco, pasó desapercibida como una parte importante de su obra".

Hoy en día, los amantes del arte aprecian verdaderamente la importancia de esta etapa de la carrera de Picasso. Las cerámicas que produjo mientras trabajaba en Madoura han sido adquiridas por algunos de los coleccionistas de arte moderno más notables y ahora aparecen en museos de todo el mundo.

El Museo Park West, en las afueras de Detroit, tiene amplias galerías dedicadas a las obras de Picasso, incluida una de las colecciones más grandes de cerámica de Picasso en exhibición en todo el mundo.

Para coleccionar la obra de arte de Picasso, regístrese en nuestras emocionantes subastas en línea o comuníquese con nuestros asesores de galería al (800) 521-9654 ext. 4 durante el horario comercial o en [email protected]

MÁS INFORMACIÓN SOBRE PABLO PICASSO:

Gracias por esta introducción tan informativa a la cerámica de Picasso. Bien hecho. Quizás en un futuro crucero & # 8230.

Muy informativo, pero siendo un picasso es difícil imaginar la cantidad de obras que ha hecho y parece que no puedo entender esta placa en particular que he adquirido recientemente.

Enlace de la foto como se muestra a continuación, cualquier información sería genial. Gracias

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El problema de Picasso: por qué no deberíamos separar el arte de la misoginia del artista

Si las mujeres realmente gobernaran el mundo, los Minotauros de Picasso y rsquos podrían ser considerados, desde el primer momento, un relato psicológico muy detallado de la masculinidad tóxica. En cambio, la serie es alabada principalmente como una expresión de la virilidad, el poder y la vulnerabilidad del hombre, que culmina en una apelación culpable a nuestra simpatía y mdash Picasso como el monstruo auto mitologizado (y consciente de sí mismo), una víctima tanto de sí mismo como de las mujeres que él. Considerado como "diosas o felpudos" y "máquinas para el sufrimiento". Honestamente, en estos días, es bastante difícil sentirse mal por un tipo que dibuja una versión mitológica de sí mismo como una "bestia" que literalmente viola a mujeres en innumerables ocasiones.

Y, sin embargo, las instituciones y los críticos han normalizado y perpetuado continuamente una interpretación de la obra de Picasso & rsquos en términos puramente académicos, comparando la influencia de su obra en cualquier otro contemporáneo masculino posible por enésima vez. El canon artístico ha ignorado constantemente su tumulto personal con las mujeres a favor de mantener el "arte separado del artista", a pesar de que el propio Picasso señaló que toda su obra podría clasificarse en siete estilos distintos, cada uno de los cuales es un documento de su relación con el artista. las siete mujeres de su vida & mdash Fernande Olivier, Eva Gouel, Olga Khokhlova, Marie-Th & eacuter & egravese Walter, Dora Maar, Fran & ccediloise Gilot y Jacqueline Roque.

Con la posible excepción de Fran & ccediloise Gilot (de las siete, Gilot fue la única que pudo extrapolarse con éxito del artista y continuar viviendo una vida independiente), Picasso creó una vida excepcionalmente miserable para casi todas las mujeres que decía tener. amor. Tanto Marie-Th & eacuter & egravese Walter como Jacqueline Roque se suicidaron a causa de Picasso y cuando el artista & rsquos nieto Pablito fue rechazado en el funeral de su abuelo & rsquos por Jacqueline Roque, él también acabó con su propia vida. En unas memorias escritas por la nieta de Picasso y rsquos, Marina Picasso detalla la forma en que Picasso desangraba a las mujeres de su vida: `` Las sometió a su sexualidad animal, las domesticó, las embrujó, las ingirió y las aplastó sobre su lienzo. Después de haber pasado muchas noches extrayendo su esencia, una vez que se desangraban, se deshacía de ellas. & Rdquo

Un retrato de Dora Maar titulado Mujer llorando (1933). Imagen a través de Wide Walls.

En una mesa redonda del New York Times de 2009 sobre el juicio de Roman Polanski & rsquos muy publicitado (el director fue acusado de drogar y violar a una niña de 13 años y huyó a Francia para evitar el enjuiciamiento), el poeta y novelista Jay Parini utiliza el ejemplo de Picasso en defensa de separar el arte del artista:

& ldquo¿Se puede realmente separar el arte del hombre o la mujer que crea ese arte? La respuesta es sí, definitivamente. Hay muchos ejemplos en la historia & mdashtoo much & mdashof grandes artistas que eran seres humanos terriblemente imperfectos, que se comportaban muy mal y lastimaban a quienes los rodeaban. En todo caso, el público hace esta distinción fácilmente. Nadie mira un cuadro de Picasso en un museo y dice: "No debería tomarme este trabajo en serio porque Picasso engañó a sus muchas esposas y abusó de su hijo".

En primer lugar, es natural que una audiencia pública en general recurra al status quo cuando se trata de arte solo porque lo hacen no lo hace bien. En segundo lugar, la cuestión no es si nos tomamos el trabajo en serio o no.En todo caso, los defectos de un artista y rsquos deberían brindarnos oportunidades potenciales para revisar y recontextualizar su trabajo. ¿Te imaginas una muestra que examine la masculinidad tóxica que se revela a lo largo de la historia del arte? Una niña solo puede soñar. A pesar de una biografía tan transparente de lo que es, al menos, una relación problemática con las mujeres (que sea real, rsquos es francamente misógino), el ldquowe y rdquo social se niega a ver a Picasso como algo más que un genio. En su lugar, recurrimos a un mecanismo de defensa psicológico de división cognitiva que nos impide involucrarnos con una comprensión más profunda y verdadera de la obra de arte. De alguna manera, la información se percibe como una amenaza para la obra de arte y su propia existencia y mdashas si la importancia y criticidad de la obra se basa enteramente en su misoginia. Pero si ese es el caso, entonces tal vez el trabajo no sea tan fantástico después de todo.

Mujer, en, un, sillón (1929). Imagen vía Pablopicasso.com.

La medida en que consideramos el arte como algo separado de un artista debería y puede ser medido con una simple revisión visceral. Debería ser bastante simple, si saber lo que sabes sobre un artista cambia la forma en que ves y entiendes una obra de arte, entonces el argumento que pide separar al artista del arte no es válido. Carl Andre podría ser el O.J. del mundo del arte. Simpson, sin embargo, si empujó o no a su esposa y compañera artista Ana Mendieta por una ventana de 33 pisos no afecta directamente a sus esculturas minimalistas (eso no quiere decir que la forma en que Mendieta & rsquos se ha manejado institucionalmente no es trágica, problemática, y vale la pena protestar). Pero usar esa línea de pensamiento como una regla indiscutible en el arte es un error que se aprovecha y elige ignorar a las víctimas del poder institucionalizado en favor de una deificación más conveniente del status quo.

Han pasado casi diez años desde ese panel del New York Times, y nos encontramos en medio del movimiento #MeToo, donde los hombres de poder y distinción finalmente están siendo responsabilizados por sus transgresiones. Todos los días, otra figura masculina prominente es descubierta por su historia de depredación y, por primera vez, la ubicuidad y el grado en que la agresión sexual ha presidido y oprimido a las mujeres en todas las industrias no solo se pone al descubierto, sino que se pone en tela de juicio. . Así como ahora es imposible para nosotros separar episodios de Louie que hacen referencia a Louie C.K. masturbarse frente a mujeres de su historia real de conducta sexual inapropiada y bueno, masturbarse frente a mujeres, uno no debería poder mirar a uno de los minotauros o mujeres de Picasso & rsquos sin pensar en lo horrible que debe haber sido ser una de sus musas.

Solo porque nosotros pueden Separar el arte del artista no significa que siempre deberíamos hacerlo. Es demasiado conveniente para los hombres establecidos que han hecho sus carreras a partir de imágenes de mujeres que sus abusos misóginos se hagan a un lado con ese argumento simple y casi canonizado. Si el mundo del arte realmente quiere ser inclusivo, tendrá que empezar a abrazar narrativas históricas del arte más complejas. Si bien Roland Barthes tenía razón al afirmar que un artista no tiene poder sobre su obra de arte una vez que está en el mundo y forma parte de un público, los curadores y críticos tienen absolutamente algo que decir. Depende de las instituciones estar a la vanguardia en la introducción de narrativas en evolución y ser adaptables y consideradas con una historia que una y otra vez ha demostrado ser fluida.

Un retrato de Marie-Th & eacuter & egravese Walter titulado Le R & ecircve (1932). Imagen vía Contemporary Arts Trust.

En marzo, la Tate Modern albergará la primera exposición individual de Picasso del museo. La muestra se centra en las obras que Picasso produjo en 1932, lo que a menudo se conoce como el "año de las maravillas" del artista y no por casualidad, el año en que Picasso tuvo su romance escapista con Marie-Th & eacuter & egravese Walter. Titulado "Picasso 1932 & ndash Love, Fame, Tragedy", el comunicado de prensa del programa promete "eliminar los mitos comunes para revelar al hombre y al artista en toda su complejidad y riqueza". Es un buen comienzo y mdash. El resto del comunicado de prensa celebra la belleza y sensualidad del trabajo, sin apenas mencionar a la musa que los inspiró.

Podría haber tomado una página de una exposición organizada el verano pasado por Art Center Basel en la Galería de Arte de Vancouver. La primera de su tipo, "Picasso: el artista y sus musas" fue la primera exposición que examinó la obra de Picasso a través de las mujeres que retrató con el fin de investigar más a fondo la relación entre el artista y la musa. Para citar el comunicado de prensa del programa, "La crítica cultural Germaine Greer ha dicho que la musa moderna está involucrada en una penetración inversa del artista masculino, lo que genera creatividad desde el & lsquowomb de su mente & rsquo. Pero, ¿podrían estas relaciones ser vistas como esencialmente egoístas? ¿Un medio por el cual un artista busca comprender y dar expresión a sus propios sentimientos e impulsos en relación con la musa, en lugar de la musa que representa en sí misma? Para Pablo Picasso este principio parece ser cierto, la misma cantidad de mujeres reconocidas en esta exposición. como lo atestiguan sus musas ". Eso es un espectáculo contemporáneo.

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Reglas de seguridad

Las violaciones de la seguridad del sistema o de la red pueden resultar en responsabilidad civil o penal. Investigaremos los sucesos y podremos involucrar y cooperar con las autoridades policiales para enjuiciar al usuario o usuarios que estén involucrados en tales violaciones. Tiene prohibido violar o intentar violar la seguridad del Sitio, incluidos, entre otros, los siguientes:

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  • Falsificar cualquier encabezado de paquete TCP / IP o cualquier parte de la información del encabezado en cualquier publicación de correo electrónico o grupo de noticias.

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Relación de las partes

El vendedor es responsable de describir con precisión y fijar el precio de los artículos que ofrece a la venta. El Comprador es el único responsable de determinar el valor, el estado y la autenticidad de los Artículos que se compran y de pagar el precio de compra al Vendedor, incluido cualquier impuesto sobre las ventas, IVA o derechos de importación / exportación.

El papel de Artspace está expresamente limitado según se establece en la cláusula anterior titulada "El papel de Artspace". Artspace confía en los vendedores para obtener dicha información y no es responsable de ninguna manera por la descripción o el precio de los Artículos en el Sitio proporcionados por el vendedor. Artspace no es responsable de la entrega de su pago al Vendedor a menos que lo aceptemos explícitamente.

Elementos disponibles en el sitio

Todos los artículos que se muestran en el sitio se ofrecen a la venta sujetos a disponibilidad. Algunos Artículos que se muestran en el Sitio son únicos y son ofrecidos por Vendedores que generalmente tienen oportunidades de venta minorista para la venta del Artículo independientemente de Artspace y, por lo tanto, es posible que algunos Artículos ya no estén disponibles.

El Sitio está diseñado para proporcionar al Comprador acceso a los Artículos a medida que los Vendedores los presentan. En consecuencia, Artspace no verifica ninguna información proporcionada por el Vendedor (o su representante que vende un Artículo) y Artspace no hace declaraciones ni garantías con respecto al Vendedor, el Artículo o la información relacionada con el Artículo.

Las ventas son "tal cual"

Todos los artículos que se muestran en el sitio se venden "tal cual" y "con todas las fallas". Ni el Vendedor ni Artspace ofrecen garantía, garantía o representación, expresa o implícita, a ningún Comprador con respecto a cualquier Artículo, incluyendo, sin limitación, su condición, comerciabilidad, idoneidad para un propósito particular, calidad, rareza, importancia, procedencia, diseñador. o creador, exposiciones, literatura, relevancia histórica, o si el Comprador adquiere algún derecho de reproducción u otro derecho de propiedad intelectual sobre cualquier Artículo. Ninguna declaración en cualquier lugar, ya sea oral o escrita, se considerará garantía, garantía o representación.

Subastas

Artspace puede poner a disposición las subastas de Artspace, donde los vendedores pueden ofrecer bienes a la venta mediante subasta al mejor postor. Artspace es independiente de los compradores y vendedores que participan en las subastas de Artspace y ninguna agencia, sociedad, empresa conjunta, empleado-empleador o franquiciador-franquiciado o relación fiduciaria está prevista o creada por la operación de las subastas de Artspace. Artspace puede, pero no está obligado a proporcionar servicios de intermediación entre el comprador y los vendedores mediante Artspace Auctions. Artspace se reserva el derecho, a su exclusivo criterio y en cualquier momento, incluso durante una subasta, de rechazar o revocar el permiso para que los vendedores ofrezcan bienes o para que los compradores presenten ofertas.

Cómo funcionan las ofertas

Todas las ofertas serán en dólares estadounidenses. Es posible que se solicite a los vendedores y compradores participantes que se registren en el sitio, que seleccionen un nombre de usuario y una contraseña, y que acepten estar sujetos a estos términos. Los compradores deben registrar una tarjeta de crédito válida con Artspace y aceptar pagar una prima del comprador a Artspace, que se agregará al precio de la oferta exitosa. La prima del comprador será igual al 15% del precio de la oferta exitosa para las ofertas en algunos artículos de la subasta. El adjudicatario pagará el precio de compra más la prima del comprador como precio de compra final. Los acuerdos entre compradores y vendedores no se regirán por la Convención de las Naciones Unidas sobre Contratos de Compraventa Internacional de Mercaderías, cuya aplicación queda expresamente excluida.

Las ofertas se envían haciendo clic en el botón "oferta" en el sitio. Todas las ofertas son definitivas y no se pueden modificar ni retirar una vez enviadas. Todas las ofertas serán registradas por Artspace y dicha grabación constituirá la determinación final y concluyente y el registro de cada oferta y la oferta más alta.

Precio de reserva del vendedor

Los vendedores pueden establecer un precio mínimo para un artículo de subasta ("Precio de reserva"). Un vendedor no está obligado a aceptar ninguna oferta por menos del precio de reserva. Si las ofertas se colocan por debajo del precio de reserva del vendedor, se notificará al postor que la oferta está por debajo del precio de reserva.

Ofertas de Artspace

Artspace puede, a través de sus empleados, presentar ofertas por artículos de subasta que están sujetos a un precio de reserva. Artspace puede (1) presentar la oferta de apertura en nombre del vendedor al precio de reserva, (2) realizar ofertas únicas o sucesivas en nombre del vendedor en respuesta a otras ofertas que estén por debajo del precio de reserva. En ninguna circunstancia Artspace realizará una oferta que esté por encima del Precio de Reserva.

Haga su oferta

Ingrese cualquier monto de oferta siempre que sea mayor o igual a la "Siguiente oferta mínima" (que se muestra debajo del campo de oferta) y haga clic en "Realizar oferta". Esto colocará automáticamente una oferta directa en el siguiente incremento y mantendrá la oferta que envió (si es mayor que la "Oferta mínima siguiente") como su "Oferta máxima". Recibirá una confirmación por correo electrónico de su oferta y se le notificará por correo electrónico cuando haya superado la oferta.

Al hacer una oferta, cada comprador autoriza irrevocablemente a Artspace a cargar inmediatamente a la tarjeta de crédito registrada del Comprador una cantidad equivalente a la prima del comprador.

Tenga en cuenta que si la subasta se traslada a un evento físico en vivo (la página de la subasta lo especificará y se notificará al postor como tal por correo electrónico), el postor más alto después del cierre de la subasta en línea será la oferta de apertura en el evento y será notificado dentro de las 48 horas posteriores al evento si la oferta es la oferta ganadora final o si alguien en el evento ha superado la oferta.

Incrementos de oferta

Al realizar una oferta, ingrese la cantidad máxima que está dispuesto a pagar por el trabajo. Ingresar su "Oferta Máxima" no significa necesariamente que pagará ese precio, puede pagar menos. El sistema de subasta hará una oferta proxy en su nombre hasta el monto de su oferta máxima. Una vez que ingrese su oferta máxima, su oferta actual que se muestra será el monto de la "Siguiente oferta mínima". A medida que avanza la subasta, Artspace comparará su oferta con las de otros postores. Cuando le sobrepujan, el sistema puja automáticamente en su nombre de acuerdo con los incrementos de puja establecidos para esa subasta hasta (pero nunca superando) su puja máxima. Aumentamos su oferta en incrementos solo en la medida necesaria para mantener su posición como mejor postor. Su oferta máxima se mantiene confidencial hasta que sea superada por otro postor. Si su oferta máxima es superada, se le notificará por correo electrónico para que pueda realizar otra oferta.

Si la subasta es una subasta de beneficios o una subasta con un evento físico (que se indicará en la página de la subasta), todas las ofertas en línea se transferirán a ese evento y Artspace o la organización que realiza el evento continuará monitoreando sus ofertas en persona. y continúe con la oferta por poder en su nombre hasta su oferta máxima. Los postores ganadores serán notificados dentro de las 48 horas posteriores al cierre de la subasta. Si Artspace no se comunica con usted, no fue el mejor postor.

Cierre de la subasta

Al cierre de cada subasta, Artspace confirmará por separado la oferta más alta al vendedor y notificará al comprador que envía la oferta más alta que la oferta fue exitosa y que el monto de la prima del comprador adeuda a Artspace se cargará a la tarjeta de crédito del comprador. En ese momento, Artspace cargará a la tarjeta de crédito del comprador el monto de la prima del comprador.

Una vez recibida la prima del comprador, Artspace enviará un correo electrónico al comprador y al vendedor exitosos y proporcionará a cada uno el nombre, la dirección, el número de teléfono y la dirección de correo electrónico del otro comprador y el vendedor será el único responsable de organizar la transmisión del pago de la compra. el precio dentro de las 24 horas posteriores a la transmisión del correo electrónico de Artspace y para el envío rápido de los productos después de recibir los buenos fondos. Si por alguna razón después de la confirmación inicial de Artspace de la oferta exitosa, el comprador cancela la transacción o no realiza el pago al vendedor, el comprador seguirá siendo responsable ante Artspace por la prima total del comprador y Artspace se reserva el derecho de retener la prima del comprador además. a cualquier otro recurso que tenga en derecho o en equidad.

Cualquier disputa con respecto a la subasta de cualquier artículo se resolverá entre el comprador y el vendedor y sin la participación de Artspace. El vendedor es el único responsable de cobrar el pago del comprador. Artspace no garantiza ni es responsable de ninguna manera por el desempeño de los compradores o vendedores que participan en la subasta.

Responsabilidades de los compradores y vendedores de subastas

Los bienes ofrecidos en las subastas de Artspace deben ser bienes tangibles que cumplan con los requisitos del Sitio. Los vendedores no ofrecerán ningún bien a la venta ni consumarán ninguna transacción iniciada en las subastas de Artspace que viole o pueda causar que Artspace viole cualquier ley, estatuto, ordenanza o regulación aplicable. Artspace tendrá la exclusiva discreción de si un artículo específico cumple con los requisitos del Sitio, cuya determinación es definitiva.

Los vendedores que ofrezcan bienes deberán publicar una descripción de los bienes ofrecidos y podrán establecer un precio mínimo de reserva, un monto mínimo de sobreoferta y la terminación de la subasta de los bienes. Los vendedores acuerdan aceptar la oferta más alta por encima de su precio de reserva establecido y entregar los productos ofrecidos al comprador que presente dicha oferta más alta. Cualquier producto ofrecido utilizando la información de inicio de sesión de registro de un vendedor será considerado por Artspace y cualquier comprador que haga una oferta como ofrecido o autorizado por ese vendedor. Los vendedores son los únicos responsables de la descripción, el estado, la autenticidad y la calidad de los productos ofrecidos. Los vendedores declaran que cumplen con todas las leyes aplicables, incluidas, entre otras, las relativas a la transmisión de datos técnicos exportados desde los Estados Unidos o el país en el que reside el vendedor, así como las restricciones sobre la importación o exportación de mercancías del país del vendedor. al país del comprador.

Al publicar bienes en las subastas de Artspace, cada vendedor declara y garantiza que posee un título libre y comercializable sobre los bienes ofrecidos y que la venta a cualquier comprador será libre y libre de cualquier gravamen o gravamen. Los vendedores aceptan que Artspace Auctions publicará imágenes e información en inglés relacionadas con los productos ofrecidos por los vendedores. Los vendedores son los únicos responsables de las descripciones de los productos y de todo el resto del contenido proporcionado a Artspace por el vendedor. Cada vendedor acepta que Artspace puede reformatear el contenido enviado por los vendedores para satisfacer mejor las necesidades y el formato de las subastas de Artspace. Los vendedores otorgan a Artspace una licencia perpetua, irrevocable y libre de regalías para usar la información de la lista en otras áreas del sitio a nuestro exclusivo criterio.

Los vendedores son responsables del envío de los productos a los compradores que hayan realizado la oferta una vez recibido el precio de compra. Los vendedores deben realizar el envío con prontitud al recibir buenos fondos de los compradores. Los vendedores son responsables de cobrar todos y cada uno de los impuestos aplicables del comprador exitoso y de remitir dichos impuestos a la autoridad fiscal correspondiente.

Los compradores son responsables de determinar el valor, el estado y la autenticidad de los productos. Los compradores que participan en las subastas de Artspace declaran y garantizan al realizar cualquier oferta que están listos, dispuestos y en condiciones de pagar la oferta del precio de compra, todos los impuestos aplicables y la prima del comprador, todo dentro de las 24 horas posteriores al cierre de la subasta si tienen éxito. licitador. Cualquier oferta enviada utilizando la información de inicio de sesión de registro de un comprador se considerará realizada o autorizada por ese comprador. Cada comprador que realiza una oferta declara y garantiza que dichas ofertas no son producto de ningún acuerdo colusorio o anticompetitivo y que, por lo demás, son consistentes con las leyes federales y estatales. Cada comprador es responsable del pago de los impuestos sobre las ventas locales y del estado de Nueva York, cualquier impuesto sobre el uso aplicable, cualquier impuesto federal sobre el lujo o cualquier otro impuesto sobre la compra de los bienes. El comprador es el único responsable de identificar y obtener cualquier permiso de exportación, importación u otro permiso necesario para la entrega de las mercancías y de determinar si las mercancías están sujetas a embargos de exportación o importación.

Artspace no es responsable de los envíos a la subasta Sin declaraciones ni garantías

Los vendedores y compradores acuerdan que Artspace no es responsable y no hace ninguna representación o garantía (expresa o implícita) en cuanto a los bienes ofrecidos, incluyendo, sin limitación, la comerciabilidad, idoneidad para un propósito particular, la precisión de la descripción de los bienes. , la condición física, tamaño, calidad, rareza, importancia, medio, procedencia, si las mercancías están sujetas a restricciones o embargos de exportación o importación, envío o entrega, embalaje o manipulación, la capacidad del comprador para pagar, la capacidad del vendedor a cobrar el precio de compra, o cualquier otra representación o garantía de cualquier tipo o naturaleza. Artspace no es responsable de ningún error o falla en la ejecución de ofertas realizadas en línea, incluidos, entre otros, errores o fallas causados ​​por (1) pérdida de conexión a Internet o al software de licitación en línea por parte de cualquier parte, (2) una falla o falla del software de licitación en línea, o (3) una falla o falla en la conexión a Internet o computadora de cualquier vendedor o comprador o (4) cualquier error u omisión en relación con el proceso de licitación.

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Описание картины «Скрипка»

1912 год ознаменовался для Пабло Пикассо очередной сменой стиля. Хотя точнее было бы сказать - серьезными переменами в рамках одного стиля. На протяжении предыдущих двух лет Пикассо в компании Жоржа Брака полностью посвящал себя «аналитическому» кубизму, который, несмотря на очень короткий период существования, повлиял на развитие всего мирового искусства ХХ века. Весной 1912 года Пикассо отправляется в путешествие, из которого привозит картину «Воспоминания о». Это по-прежнему кубизм, но кубизм уже совершенно новый - тот, который позднее назовутт «систетич. Картина «Скрипка» становится одной из первых работ в этом обновленном стиле.

Más información Постепенно в их работах начинают появляться узнаваемые детали. Пикассо в начале этого периода создает несколько серий картин, объединенных одной темой: музыкальные инструменты (скрипки и гитары), натюрморты с бутылками и бокалами. В конце периода синтетического кубизма художник сосредотачивается по большей части на портретах (конечно, не забывая об арлекине).

Первая «Скрипка» Пикассо пока еще полностью живописна. Разобрав предметы и лица людей на разрозненные детали в период аналитического кубизма, теперь художник как будто снова начинает складывать эту мозаику воедино, превращая ее в своего рода живописный коллаж. Вскоре, впрочем, коллажи станут вполне реальными. Ни на секунду не останавливаясь в своих экспериментах, Пикассо и Брак начинают дополнть свои небоы небоы небоы. В том же 1912 году Пикассо впервые использует на картине настоящую почтовую марку, а затем - создаст «Натюрморт с плетеным стулом», в котором применит клеенку и бечевку. В последующих работах художника появятся вырезки из газет, кусочки ткани, обоев и нотных листов. Полностью оправдывая название «синтетического» кубизма, Пикассо будет объединять в единое целое самые разнообразные техники и готовые предметы, по сути заложив основу для появления реди-мейдов в будущем.


Pablo Picasso y sus mujeres

Pablo Picasso, quizás el pintor más influyente y reconocible del siglo XX, es bien conocido por su profundo amor y aprecio por las mujeres. Picasso no tuvo una relación fácil con las mujeres, solo amado ellos, sin embargo, en algunos casos fue abusivo. Aunque tuvo muchos amantes a lo largo de su vida, solo ocho de ellos se convirtieron en sus musas, las mujeres que aún hoy podemos admirar en sus cuadros. ¿Cuál es la verdadera historia detrás de la conocida frase & # 8220Pablo Picasso y sus mujeres & # 8221?

Pablo Picasso, La Galloise, Vallauris, Francia, 1954, Arnold Newman

La primera de sus musas fue Fernande Olivier, quien también fue su primer socio desde hace mucho tiempo. Ella está representada en muchas piezas de su Período rosa. La pintora conoció a esta sorprendente belleza en París, y quedó prendada de su cabello rojo y sus hermosos ojos. Sin embargo, a medida que pasaban los años, Picasso, lamentablemente, se volvió muy posesivo con su amante y, al final, ella no tuvo más remedio que dejarlo.

Fernande Olivier, fotografiada por Pablo Picasso

Retrato de Fernande Olivier, Pablo Picasso, 1909, Städel Museum, Frankfurt, Alemania

La segunda de sus musas fue Eva Gouel (Marcelle Humbert) que era amiga de Fernande. Una vez que ella y Picasso se convirtieron en pareja, permanecieron juntos durante tres años. Eva es a menudo llamada la "reina de sus obras cubistas", ya que apareció en una serie de sus obras de ese género. Desafortunadamente, le diagnosticaron tuberculosis y Picasso rápidamente comenzó una aventura con una mujer llamada Gaby.

Tras la muerte de Eva, el pintor abandonó Francia y se trasladó a Italia, enamorándose de Olga Khokhlova, una bailarina rusa. Ella se convirtió en su primera esposa y en una gran oponente de la Cubismo se estaba desarrollando en ese momento. Ella exigió que la pintaran con un estilo completamente diferente. La pareja tuvo un hijo, Paulo, quien inspiró a Picasso a comenzar una serie de pinturas titulada Maternité. Debido al carácter coqueto de Picasso y su negativa a dejar de tener aventuras extramatrimoniales, su esposa finalmente experimentó un colapso. Al final, se fue con su hijo y se mudó al sur de Francia, pero nunca superó la obsesión por su marido.

Mujer con niño, Pablo Picasso, 1921, Art Institute, Chicago

Pablo Picasso y Olga Khokhlova, 1919

Olga, Pablo y Paulo Picasso, 1923

La cuarta de las musas de Picasso fue Marie-Thérèse Walter, quien solo tenía diecisiete años cuando, como víctima del amor de Picasso por las mujeres, quedó embarazada de su hijo mientras aún estaba casado con Olga. A pesar de que la diferencia de edad era muy significativa, a los 29 años, la delicada joven era probablemente la única mujer con la que Picasso estaba realmente feliz. Ella tenía la apariencia y el carácter perfectos para modelar para su Surrealista piezas, y Picasso la manipuló con facilidad. Aunque tuvieron una hija llamada Maya juntos, debido a las formas infieles del artista, finalmente se separaron.

El Sueño, Pablo Picasso, 1932, Colección Privada

La mujer con la que comenzó a tener una aventura mientras aún estaba con Marie-Thérèse era Dora Maar. Ella tenía pasiones similares hacia él. Era fotógrafa y pintora y era muy inteligente. Dora fue testigo de cómo él creaba su obra maestra. Guernica.

Ella sufrió un colapso total después de enterarse de su romance con Françoise Gilot en 1945, y una vez dijo "unSi eres un artista, puedes ser extraordinario, pero moralmente hablando, no vales nada ".

Cabeza de mujer (Dora Maar), Pablo Picasso, 1939, Museo Guggenheim

Con Françoise Gilot, un aspirante a pintor de 21 años y estudiante de derecho, tenía dos hijos, Claude y Paloma. Estaba profundamente enamorada del pintor, pero incluso ese sentimiento no era lo suficientemente fuerte como para sobrevivir a su difícil comportamiento. Ella no pudo soportar su abuso y mujeriego y lo dejó en 1953. En 1964 publicó sus memorias llamadas La vida con Picasso y se mudó a Nueva York.

Francoise Gilot y Pablo Picasso, Robert Capa, 1948

Retrato de Francoise Gilot

Como tenía preferencia por mujeres mucho más jóvenes, mientras aún estaba con Françoise se involucró en una aventura con una joven de 24 años. Genevieve Laporte, quien también terminó su relación en 1953. En 2005 subastó 20 dibujos de ella misma de Pablo Picasso.

Femme assise en tailleur & # 8211 Geneviève Laporte, Pablo Picasso, 1951, Colección Privada

En 1961 el pintor volvió a casarse a la edad de 79 años. Su novia de 27 años fue Jacqueline Roque, que lo trataba como si fuera un santo.

Jacqueline tratando de enseñarle a Picasso una rutina de ballet, 1957

El período en el que estuvo con ella fue muy creativo para Picasso. Ella fue su última musa y apareció en más de 400 de sus pinturas y cerámicas. El artista murió en 1973, con Jacqueline a su lado. Trece años después, decidió suicidarse tras concluir que había logrado todo por él.

Picasso dándole un beso a Jacqueline, 1959

Mujer con sombrero amarillo (Jacqueline), Pablo Picasso, 1961, colección particular

Si bien Picasso dejó un gran legado, fue muy influenciado por todas las mujeres que había conocido como nadie más podría haberlo hecho.


La colección del lago

En el verano de 1946, durante su estancia en Golfe Juan, Picasso decidió visitar la exposición anual de cerámica en Vallauris. La ciudad de Vallauris había sido bendecida con un terreno que producía una arcilla excelente y había sido un importante centro de producción de cerámica desde la época romana hasta la década de 1920 y # 8242.

En la exposición de Vallauris, Picasso se interesó especialmente por el puesto de Madoura y pidió ser presentado a los autores de estas obras. La familia Ramié lo recibió en el taller de Cerámica Madoura. Así terminó el día fácilmente, lidiando con la arcilla fresca y modelando tres sujetos que se dejaron secar y hornear. Solo un año después, Picasso regresó y preguntó por sus pices. Para su deleite, se le mostraron en excelentes condiciones. Inmediatamente pidió volver al trabajo. Una parte del taller fue arreglada para él y hasta el año 1973, año de su muerte, produjo una gran colección a través de un nuevo amor, un nuevo medio que encontró, a través del medio cerámico.

Las cerámicas, al igual que los gráficos, transmiten una sensación de espontaneidad, pero debido a su fuerza gestual y su color tienen aún más vitalidad y vitalidad. Aunque la cerámica a menudo se considera un oficio, para Picasso los platos, jarras, jarrones y otras vasijas que creó eran una forma de lienzo. Con un sentido de liberación experimentó con el juego entre decoración y forma, entre dos y tres dimensiones y entre el significado personal y universal. La cerámica de esta exposición puede verse como una forma tanto de escultura como de pintura en una única expresión creativa.

Mientras trabajaba en el medio cerámico, junto con los consejos técnicos de Suzanne Ramie & # 8217, Picasso desajustaba o reposicionaba deliberadamente las manijas o los picos para crear ingeniosamente características faciales o anatómicas en los objetos de cerámica.

Picasso utilizó herramientas poco convencionales para el modelado de superficies, como cuchillos de cocina o utensilios de cocina perforados. Los temas dominantes de la cerámica de Picasso se convirtieron en: el rostro, naturalezas muertas, animales como pájaros, peces y cabras, escenas míticas de centauros y faunos. Como en épocas anteriores, muestra un gran interés por las corridas de toros y los toreros y el imaginario clásico de la vida sencilla mediterránea.

Creó sus cerámicas de una manera espontánea y lúdica. A diferencia de su obra gráfica, donde permaneció dentro del mundo monocromático, la cerámica le permitió descubrir el mundo del color. En el mundo de Picasso, los jarrones, cántaros, platos, baldosas de cerámica y otros objetos, que él creó y pintó, adquirieron las dimensiones del lienzo.

El maestro grabador del siglo XX, Picasso deseaba encontrar formas de duplicar algunas piezas selectas, como lo sería un grabado. Con la ayuda de la familia Ramié, realizó una obra, conocida como las Ediciones Picasso. Las ediciones de cerámica ofrecen una visión de las inquietudes del mayor artista del siglo XX.


Pablo Picasso - Biografía y legado

Pablo Ruiz Picasso nació en una familia creativa. Su padre era pintor y rápidamente mostró signos de seguir el mismo camino: su madre afirmó que su primera palabra fue "piz", una versión abreviada de lapiz, o lápiz, y su padre fue su primer maestro. Picasso comenzó a estudiar arte formalmente a la edad de 11 años. Todavía existen varias pinturas de su adolescencia, como Primera comunión (1895), que es típico en su estilo académico convencional, si bien logrado.Su padre preparó al joven prodigio para que fuera un gran artista al darle a Picasso la mejor educación que la familia podía permitirse y al visitar Madrid para ver obras de viejos maestros españoles. Y cuando la familia se mudó a Barcelona para que su padre pudiera ocupar un nuevo cargo, Picasso continuó su educación artística.

Entrenamiento temprano

Fue en Barcelona donde Picasso maduró por primera vez como pintor. Frecuentaba Els Quatre Gats, un café popular entre bohemios, anarquistas y modernistas. Y llegó a familiarizarse con el Art Nouveau y el Simbolismo, y con artistas como Edvard Munch y Henri Toulouse-Lautrec. Fue aquí donde conoció a Jaime Sabartes, quien se convertiría en su secretario ferozmente leal en años posteriores. Esta fue su introducción a una vanguardia cultural, en la que se animaba a los jóvenes artistas a expresarse.

Durante los años 1900 a 1904, Picasso viajó con frecuencia, pasando tiempo en Madrid y París, además de hechizos en Barcelona. Aunque comenzó a hacer escultura durante esta época, los críticos caracterizan esta época como su Período Azul, después de la paleta azul / gris que dominaba sus pinturas. El ambiente de la obra también fue insistentemente melancólico. Uno podría ver el comienzo de esto en la tristeza del artista por el suicidio de Carlos Casegemas, un amigo que había conocido en Barcelona, ​​aunque los temas de gran parte de la obra del Período Azul se extrajeron de los mendigos y prostitutas que encontró en las calles de la ciudad. El viejo guitarrista (1903) es un ejemplo típico tanto del tema como del estilo de esta fase.

En 1904, la paleta de Picasso comenzó a brillar y durante un año o más pintó en un estilo que se ha caracterizado como su Período Rosa. Se centró en artistas y figuras de circo, cambiando su paleta a varios tonos de rojos y rosas más estimulantes. Y alrededor de 1906, poco después de conocer al artista Georges Braque, su paleta se oscureció, sus formas se volvieron más pesadas y de aspecto más sólido, y comenzó a encontrar su camino hacia el cubismo.

Período de madurez

En el pasado, los críticos fecharon los inicios del cubismo en su primera obra maestra. Les Demoiselles d'Avignon (1907). Aunque esa obra ahora se ve como de transición (sin las distorsiones radicales de sus experimentos posteriores), fue claramente crucial en su desarrollo, ya que estuvo fuertemente influenciada por la escultura africana y el antiguo arte ibérico. Se dice que inspiró a Braque a pintar su propia primera serie de pinturas cubistas, y en años posteriores los dos montarían una de las colaboraciones más notables de la pintura moderna, a veces aprendiendo con entusiasmo el uno del otro, en otras ocasiones tratando de superarse mutuamente. en su vertiginosa y competitiva carrera por innovar. Se visitaron a diario durante la formulación de esta técnica radical, y Picasso se describió a sí mismo ya Braque como "dos montañeros atados juntos". En su visión compartida, múltiples perspectivas sobre un objeto se representan simultáneamente fragmentándose y reorganizándose en configuraciones astilladas. La forma y el espacio se convirtieron en los elementos más cruciales, por lo que ambos artistas restringieron sus paletas a tonos tierra, en marcado contraste con los colores brillantes utilizados por los fauvistas que los habían precedido. Picasso siempre tendría un artista o un grupo con el que colaborara, pero como escribió el biógrafo de Braque Alex Danchev: El "período Braque" de Picasso fue "el más concentrado y fructífero de toda su carrera".

Picasso rechazó la etiqueta de "cubismo", especialmente cuando los críticos comenzaron a diferenciar entre los dos enfoques clave que se decía que perseguía: analítico y sintético. Vio su trabajo como un continuo. Pero no hay duda de que hubo un cambio en su trabajo alrededor de 1912. Se volvió menos preocupado por representar la ubicación de los objetos en el espacio que por usar formas y motivos como signos para aludir juguetonamente a su presencia. Desarrolló la técnica del collage y de Braque aprendió el método relacionado de papiers colles, que utilizó trozos de papel recortados además de fragmentos de materiales existentes. Desde entonces, esta fase ha llegado a conocerse como la fase "sintética" del cubismo, debido a su dependencia de varias alusiones a un objeto para crear la descripción del mismo. Este enfoque abrió las posibilidades de composiciones más decorativas y lúdicas, y su versatilidad animó a Picasso a seguir utilizándolo bien en la década de 1920.

Pero el creciente interés del artista por el ballet también envió su trabajo en nuevas direcciones alrededor de 1916. Esto fue impulsado en parte por el encuentro con el poeta, artista y cineasta Jean Cocteau. A través de él conoció a Sergei Diaghilev, y pasó a producir numerosos diseños de escenarios para los Ballets Russes.

Durante algunos años, Picasso había jugado ocasionalmente con imágenes clásicas, y comenzó a dar rienda suelta a esta libertad a principios de la década de 1920. Sus figuras se volvieron más pesadas y masivas, y a menudo las imaginaba en el contexto de una Edad de Oro mediterránea. Durante mucho tiempo se han asociado con las tendencias conservadoras más amplias de los llamados rappel a l'ordre, (vuelta al orden), un período del arte ahora conocido como Clasicismo de entreguerras.

Su encuentro con el surrealismo a mediados de la década de 1920 provocó nuevamente un cambio de dirección. Su trabajo se volvió más expresivo y, a menudo, violento o erótico. Esta fase de su trabajo también se puede correlacionar con el período de su vida personal cuando su matrimonio con la bailarina Olga Khokhlova comenzó a romperse y comenzó una nueva relación con Marie-Therese Walter. De hecho, los críticos a menudo han notado cómo los cambios de estilo en la obra de Picasso a menudo van de la mano con cambios en sus relaciones románticas.Su asociación con Khokhlova abarcó los años de su interés por la danza y, más tarde, su tiempo con Jacqueline Roque se asocia con su difunto fase en la que se preocupó por su legado junto a los Viejos Maestros. Picasso pintó con frecuencia a las mujeres de las que estaba enamorado y, como resultado, su tumultuosa vida personal está bien representada en el lienzo. Se sabía que tenía muchas amantes, las más famosas eran Eva Gouel, Dora Maar y Françoise Gilot. Se casó dos veces y tuvo cuatro hijos, Claude, Paloma, Maia y Paulo.

A finales de la década de 1920 inició una colaboración con el escultor Julio González. Esta fue su asociación creativa más significativa desde que había trabajado junto a Braque, y culminó en esculturas de metal soldado, que posteriormente fueron muy influyentes.

A medida que avanzaba la década de 1930, las preocupaciones políticas comenzaron a nublar la visión de Picasso, y estas continuarían preocupándolo durante algún tiempo. Su disgusto por el bombardeo de civiles en la ciudad vasca de Guernica durante la Guerra Civil española lo impulsó a crear el cuadro. Guernica, en 1937. Durante la Segunda Guerra Mundial permaneció en París, y las autoridades alemanas lo dejaron lo suficientemente tranquilo como para permitirle continuar con su trabajo. Sin embargo, la guerra tuvo un gran impacto en Picasso, con su colección de pintura de París confiscada por los nazis y algunos de sus amigos judíos más cercanos asesinados. Picasso hizo obras que los conmemoran: esculturas que emplean materiales duros y fríos como el metal, y un seguimiento particularmente violento de Guernica, titulado El osario (1945). Después de la guerra también estuvo estrechamente relacionado con el Partido Comunista, y varias imágenes importantes de este período, como Guerra en Corea (1951), aclara esa nueva alianza.

Últimos años y muerte

Durante las décadas de 1950 y 1960, Picasso trabajó en sus propias versiones de obras maestras canónicas de artistas como Nicolas Poussin, Diego Velázquez y El Greco. En los últimos años de su vida, Picasso buscó consuelo en su celebridad, y se casó con Jacqueline Rogue en 1961. Sus pinturas posteriores se basaron en gran medida en retratos y sus paletas casi llamativas en tonos. Los críticos los han considerado en general inferiores a su obra anterior, aunque en los últimos años han sido recibidos con más entusiasmo. También creó muchas esculturas de cerámica y bronce durante este período posterior. Murió de un infarto en el sur de Francia en 1973.

El legado de Pablo Picasso

La influencia de Picasso fue profunda y de gran alcance y, sorprendentemente, muchos períodos de su vida fueron influyentes por derecho propio. Sus primeras piezas simbolistas siguen siendo icónicas, mientras que las innovaciones en el cubismo pionero establecieron un conjunto de problemas, dispositivos y enfoques pictóricos, que siguieron siendo importantes hasta bien entrada la década de 1950. Incluso después de la guerra, a pesar de que la energía del arte de vanguardia se trasladó a Nueva York, Picasso siguió siendo una figura titánica, y una que nunca podría ser ignorada. De hecho, aunque se podría decir que los expresionistas abstractos han superado aspectos del cubismo (incluso estando fuertemente influenciados por él), el Museo de Arte Moderno de Nueva York ha sido llamado "la casa que construyó Pablo", porque ha expuso la obra del artista. La exposición inaugural del MoMA en 1930 incluyó quince pinturas de Picasso. También formó parte de la muy influyente encuesta de Alfred Barr muestra Cubismo y arte abstracto (1936) y Arte Fantástico, Dadá, Surrealismo (1936-37). Aunque su influencia sin duda disminuyó en la década de 1960, en ese momento se había convertido en un ícono del pop, y la fascinación del público con la historia de su vida continúa alimentando el interés por su trabajo.


¿Por qué fue Pablo Picasso tan importante?

La contribución más importante de Pablo Picasso al mundo del arte fue su cofundador del movimiento cubista. También contribuyó significativamente a la invención del collage, la escultura construida y las artes plásticas.

Junto con Georges Braque, Picasso creó la pintura cubista, un estilo en el que los sujetos se deconstruyen en formas geométricas. Algunas de las pinturas cubistas más famosas de Picasso son "Dora Maar au Chat", "Femme Assise dans un Jardin" y "Guernica". El desarrollo del cubismo también condujo al cubismo sintético, en el que trozos de papel cortados se ordenaban en composiciones. Esto representó el primer uso del collage en el arte.

Picasso no se limitó a pintar al estilo cubista. También trabajó en realismo, simbolismo, neoclásico y surrealismo, así como en escultura. Algunas de sus obras más conocidas no cubistas son "El viejo guitarrista", "Retrato de Gertrude Stein", "Niño con pipa", "Retrato de Igor Stravinsky" y "Campesinos durmientes".

La escultura más significativa de Picasso fue el "Chicago Picasso". Esta obra fue encargada por la ciudad y se dio a conocer en 1967. Está realizada en un estilo cubista abstracto y, aunque no está claro qué se supone que representa, se ha convertido en un hito de Chicago. Originalmente, se suponía que a Picasso se le pagaría $ 100,000 por él, pero decidió renunciar al pago y donar la escultura como regalo a la gente de la ciudad.


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