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Dintel Maya Clásico - Vista 3D

Dintel Maya Clásico - Vista 3D

Imagen 3D

Escaneado en el Museo Británico. La placa dice:

“En el segundo dintel de la Estructura 23 en Yaxchilán, la ofrenda de sacrificio de sangre evoca una manifestación visionaria de Yat-Balam, antepasado fundador de la dinastía de Yaxchilán. Con la apariencia de un guerrero que empuña una lanza y un escudo, este espíritu ancestral emerge de las fauces abiertas de una enorme serpiente de dos cabezas que se alza sobre Lady Xoc. Ella mira hacia arriba a la aparición que ha provocado. En su mano izquierda lleva un cuenco para sangrar que contiene instrumentos de sacrificio, un lomo de rayo y una lanceta de obsidiana ”.

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Dintel Maya Clásico - Vista 3D - Historia

Los mayas son un pueblo verdaderamente antiguo. Aunque puede ser difícil precisar exactamente cuándo comenzó y terminó una cultura sin una prueba escrita absoluta, la mayoría de los historiadores creen que los asentamientos mayas se remontan al período alrededor de 1800 a. C., alcanzando su punto máximo, llamado el "período clásico" en algún momento alrededor de 250-900 CE. Una extensa red de ciudades, conectadas por carreteras, muchas todavía visibles hoy en día, es testimonio de la complejidad de la cultura y su estructura social y política. Junto con algunas de las habilidades que el hombre moderno celebra, como su destreza matemática y sus calendarios, la cultura y el arte se conservan al reconocer su belleza distintiva.


Animación en la Ciudad Antigua de Yaxchila

Los artistas que tallaron los dos dinteles de Yaxchilán que se muestran arriba incorporaron el concepto de animación en su obra de arte. El truco consiste en comparar los dos dinteles para ver qué es diferente en sus imágenes. En el proceso, se hace evidente que lo que falta es importante para comprender su contenido visual. Los artistas mayas probablemente usaron plantillas que pudieron modificar para crear las animaciones.

En esta imagen, se muestra a Lady Chak Chami levantando un plato bajo, lleno de parafernalia sangrienta, extendiendo su palma hacia su esposo o consorte Bird Jaguar IV, mientras ambos mueven espadas sangrientas que sostienen en sus manos derecha e izquierda, respectivamente. Además, una cabeza ancestral o posiblemente su futuro hijo, Shield Jaguar IV, está emergiendo de las fauces abiertas de una serpiente esquelética / bestia ciempiés, conjurada a la existencia a través del rito de derramamiento de sangre, levanta sus manos ahuecadas hacia Lady Chak Chami.

La clave para comprender la animación maya es comparar los detalles. La animación ha sido extraída y adaptada de Chinchilla Mazariegos. (Jenny y Alex John / Los dioses mayas del tiempo )


Entrada principal, fachada oeste

La entrada principal del edificio de la Corte Suprema está al oeste, frente al edificio del Capitolio de los Estados Unidos. Dieciséis columnas corintias de mármol sostienen el frontón. A lo largo del arquitrabe (la moldura justo encima de las columnas) están grabadas las palabras "Igualdad de justicia bajo la ley". John Donnelly, Jr. fundió las puertas de entrada de bronce.

La escultura es parte del diseño general. A ambos lados de los escalones principales del edificio de la Corte Suprema hay figuras de mármol sentadas. Estas grandes estatuas son obra del escultor James Earle Fraser. El frontón clásico también es una oportunidad para la estatuaria simbólica.


Asuntos actuales

A lo largo de los siglos, el Taj Mahal ha sido objeto de abandono y deterioro. Una importante restauración se llevó a cabo a principios del siglo XX bajo la dirección de Lord Curzon, entonces virrey británico de la India. Más recientemente, la contaminación del aire causada por las emisiones de las fundiciones y otras fábricas cercanas y los gases de escape de los vehículos de motor ha dañado el mausoleo, en particular su fachada de mármol. Se han tomado una serie de medidas para reducir la amenaza al monumento, entre ellas el cierre de algunas fundiciones y la instalación de equipos de control de la contaminación en otras, la creación de una zona de amortiguamiento de parques alrededor del complejo y la prohibición de circulación vehicular cercana. tráfico. En 1998 se inició un programa de restauración e investigación para el Taj Mahal. Sin embargo, el progreso en la mejora de las condiciones ambientales alrededor del monumento ha sido lento.

De vez en cuando, el Taj Mahal ha estado sujeto a la dinámica política de la India. La observación nocturna estuvo prohibida allí entre 1984 y 2004 porque se temía que el monumento fuera un objetivo de militantes sij. Además, se ha convertido cada vez más en un símbolo cultural indio. Algunos grupos nacionalistas hindúes han intentado disminuir la importancia de la influencia musulmana al explicar los orígenes y el diseño del Taj Mahal.

Los editores de Encyclopaedia Britannica Este artículo fue revisado y actualizado por última vez por Adam Augustyn, editor en jefe, contenido de referencia.


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    Dedicamos nuestra experiencia a proporcionar a nuestra clientela exquisitas colecciones de arte precolombino único y más impresionante disponible. Cada pieza presentada es apreciada y respetada por su mano de obra cargada de tiempo. Uno solo puede sentirse humilde por el detalle y la precisión, interpretando estas creaciones como nada menos que arte antiguo y cultural.

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    Estamos felices y orgullosos de presentar nuestra extensa colección en línea para su placer visual y consideración.

    Todos los artefactos adquiridos por Galeria Con-Tici se han obtenido legalmente. Galeria Con-Tici cumple con todas las leyes estatales y locales según los artículos “La Ley de Antigüedades de 1906, UNESCO 1972 y UNIDROIT 1995”.

    Orgulloso miembro de la AACA: cumplimiento de estrictas reglas de conducta

    Un hermoso y magnífico par de dagas de piedra mayas. Tallado bifacialmente con mangos delgados con hojas afiladas estriadas. Cada uno de pedernal de diferentes colores. Las hojas son muy simétricas y están en buenas condiciones. Región de Belice 200 AC - 500 DC. Mide 9 "/ 22,86 cm y 7" / 17,78 cm. Cada uno en soporte personalizado.

    Estos discos son de las ofrendas que se encuentran en El Castillo en Chichén Itzá en Yucatán.

    Una cerámica de tortuga antropomórfica del Posclásico Tardío Maya

    Una jarra de cerámica del Posclásico Tardío Maya

    Cabezas de estuco de la cripta funeraria. De Pakal la Gran Cripta Mortuoria.

    Cabezas de estuco de la cripta funeraria. Desde Pakal la Gran Cripta Mortuoria.

    Museo Nacional de Arqueología y Etnología de la Ciudad de Guatemala.

    He estado en esta habitación muchas veces, pero parece que se han arreglado algunas cosas. Además, esta nueva cámara parece capturar los colores y los detalles mucho mejor.

    Visité el Museo Nacional de Antropología en la Ciudad de México. Chac-Mool significa Garra Roja y es un artefacto maya de las ruinas de Chichén Itzá en Yucatán. Chac-Mool es un mensajero entre el hombre y los dioses. Se le encargó llevar ofrendas a los dioses que se colocaron en su cavidad abdominal.

    Solía ​​haber una exhibición azteca en LACMA, pero aparentemente fue por poco tiempo. Sin embargo, hubo algunas similitudes entre los aztecas y los mayas. Sus joyas, sus artefactos, jarrones, su códice e incluso su inclinación por el sacrificio humano eran similares. Los mayas se quedaron en la península de Yucatán, cerca del golfo de México, mientras que los aztecas se quedaron en el centro, y su antigua ciudad eventualmente se convirtió en la moderna Ciudad de México.

    Este artefacto representa el ritual maya de perforaciones en las mejillas, donde se perforan las mejillas a tres personas y se coloca una pequeña varilla a través de ella. La descripción no decía si esto era para los prisioneros (que generalmente se sacrifican de todos modos) o alguna costumbre religiosa.

    Mi traducción del letrero dice:

    "Esta magnífica pieza muestra a un anciano emergiendo de una flor Jaina au las figuras de base de frescura representan personas reales y no deidades, en este caso existe en paralelo con la ubicación en el mito que cuenta que los dioses nacen de las flores".

    Estoy seguro de que el letrero dice claramente "flores" y estoy bastante seguro de que este es el letrero que acompaña a esta imagen. pero eso me parece una caracola, no una flor.

    Máscara de hueso en forma de corazón con excelente pátina en la superficie frontal y posterior. La superficie frontal tiene líneas de esgrafiado cortadas hasta una superficie gris. Tocado con diseño de tablero de ajedrez. Banda para los ojos y nariz negras con aberturas rectangulares para los ojos. Corte boca abajo, dos marcas de galón en la barbilla. Perforado para suspensión. Probablemente hueso del cráneo.

    Reensamblado a partir de cuatro piezas sin restauración. Rica pátina oscura. Tasado hace 35 años (1982) por el fallecido Lowell Collins (The Lowell Collins Gallery, Houston, Texas). 300 a.C. -300 d.C. México. Mide 2,75 '' / 6,98 cm.

    Mi traducción aproximada del letrero dice:

    “Esto está decorado con una escena simbólica con dos personas de aspecto fantástico. La figura principal y de mayor tamaño representa una figura esquelética. cuya columna vertebral está tallada de manera exagerada. Con excepción de la cabeza, los pies y las manos, todo el resto del cuerpo está representado sin carne. La cabeza lleva una máscara de jaguar parcial. En el interior del tórax hay una banda gruesa que se extiende verticalmente hacia la otra persona. La figura más pequeña está sujeta al extremo de la banda en la parte superior izquierda del monumento y da la impresión de estar flotando o en elevación. La escena ha sido descrita como `` una figura que asciende desde el cordón umbilical del Dios esqueleto de la muerte ''.

    Mi traducción del letrero dice:

    "Esta magnífica pieza muestra a un anciano emergiendo de una flor Jaina au las figuras de base de frescura representan personas reales y no deidades, en este caso existe en paralelo con la ubicación en el mito que cuenta que los dioses nacen de las flores".

    Estoy seguro de que el letrero dice claramente "flores" y estoy bastante seguro de que este es el letrero que acompaña a esta imagen. pero eso me parece una caracola, no una flor.

    Mi traducción aproximada de este letrero dice:

    "En este disco aparece la figura de un jugador de pelota, en el acto de marcar un punto con la pelota en la cancha grande".

    El ritual de la Danza del Venado simboliza la importante relación entre los humanos y el equilibrio de la naturaleza. Esta representación es de un sacerdote o curandero (culandero) que prepara a un participante (un iluminador) para la danza habitual. El escultor de Jaina captura hermosos detalles en este dúo. La baja estatura de este noble atrae de inmediato su detallada extremidad superior. Las características y los detalles de los ojos oblicuos, la nariz ganchuda y la línea del cabello en retroceso con su cráneo intencionalmente deformado hacían que la frente pareciera unirse y seguir la misma línea que su nariz (deformación tabular oblicua). Cabello recogido y convertido en un peinado retorcido tradicional con remates de cabeza de serpiente en ambos lados. Lleva adornos habituales en las orejas, el cuello y los hombros. La cara mejilla de la bailarina con los ojos bajos está siendo equipada con un elaborado disfraz de querida cabeza como tocado. Aún se pueden ver rastros de pigmento azul maya. También lleva un suntuoso collar y orejeras más grandes. Unas cuantas virutas y piezas que se vuelven a unir. De lo contrario en excelentes condiciones.

    El ritual de la Danza del Venado simboliza la importante relación entre los humanos y el equilibrio de la naturaleza. Esta representación es de un sacerdote o curandero (culandero) que prepara a un participante (un iluminador) para la danza habitual. El escultor de Jaina captura hermosos detalles en este dúo. La baja estatura de este noble atrae de inmediato su detallada extremidad superior. Las características y los detalles de los ojos oblicuos, la nariz ganchuda y la línea del cabello en retroceso con su cráneo intencionalmente deformado hacían que la frente pareciera unirse y seguir la misma línea que su nariz (deformación tabular oblicua). Cabello recogido y convertido en un peinado retorcido tradicional con remates de cabeza de serpiente en ambos lados. Lleva adornos habituales en las orejas, el cuello y los hombros. La cara mejilla de la bailarina con los ojos bajos está siendo equipada con un elaborado disfraz de querida cabeza como tocado. Aún se pueden ver rastros de pigmento azul maya. También lleva un suntuoso collar y orejeras más grandes. Unas cuantas patatas fritas y piezas que se vuelven a unir. De lo contrario en excelentes condiciones.

    "Aunque poco se sabe del concepto maya de la forma de la Tierra, parece que destrozaron con los aztecas la creencia de que era el lomo de un reptil gigante parecido a un cocodrilo y que era un objeto de adoración".


    Arquitectura renacentista en Roma

    Roma, la segunda capital del Renacimiento después de Florencia, fue uno de los centros arquitectónicos y culturales más importantes de este período.

    Objetivos de aprendizaje

    Identificar las características y los ejemplos más importantes de la arquitectura renacentista romana.

    Conclusiones clave

    Puntos clave

    • Los arquitectos del Renacimiento romano derivaron sus principales diseños e inspiraciones de los modelos clásicos romanos y griegos.
    • Donato Bramante (1444-1514) fue una figura clave en la arquitectura romana durante el Alto Renacimiento.
    • El Palazzo Farnese, uno de los palacios del Alto Renacimiento más importantes de Roma, es un ejemplo principal de la arquitectura romana renacentista.

    Términos clave

    • Roma: Ciudad, capital de la provincia del Lacio y sede de la Santa Sede durante el Renacimiento.

    Roma es ampliamente considerada por los estudiosos como la segunda capital renacentista de Italia, después de Florencia, y fue uno de los centros arquitectónicos y culturales más importantes durante este período. Los arquitectos del Renacimiento romano derivaron sus principales diseños e inspiraciones de modelos clásicos. El estilo de la arquitectura renacentista romana no difiere mucho de lo que se puede observar en la arquitectura renacentista de Florencia. Sin embargo, los mecenas en Roma tendían a ser funcionarios importantes de la Iglesia Católica, y los edificios son generalmente de función religiosa o palaciega.

    Donato Bramante (1444-1514) fue una figura clave de la arquitectura romana durante el Alto Renacimiento. Bramante nació en Urbino y saltó a la fama como arquitecto en Milán antes de viajar a Roma. En Roma, Fernando e Isabel le encargaron a Bramante diseñar el Tempietto, un templo que marca lo que se creía era el lugar exacto donde fue martirizado San Pedro. El templo es circular, similar a los primeros martirios cristianos, y gran parte del diseño está inspirado en los restos del antiguo Templo Vesta. El Tempietto es considerado por muchos estudiosos como el principal ejemplo de arquitectura del Alto Renacimiento. Con sus proporciones perfectas, armonía de partes y referencias directas a la arquitectura antigua, el Tempietto encarna el Renacimiento. Esta estructura ha sido descrita como Bramante & # 8217s & # 8220calling card & # 8221 al Papa Julio II, el importante mecenas renacentista de las artes que luego emplearía a Bramante en el diseño histórico de la nueva Basílica de San Pedro.

    El Tempietto, c. 1502, Roma, Italia. : Diseñado por Donato Bramante, el Tempietto es considerado el principal ejemplo de arquitectura del Alto Renacimiento.

    Otro ejemplo principal de la arquitectura romana del Renacimiento incluye el Palazzo Farnese, uno de los palacios del Alto Renacimiento más importantes de Roma. Diseñado por primera vez en 1517 para la familia Farnese, el edificio se expandió en tamaño y concepción a partir de los diseños de Antonio da Sangallo el Joven cuando Alessandro Farnese se convirtió en el Papa Pablo III en 1534. La historia de su construcción involucró a algunos de los arquitectos italianos más destacados del siglo XVI, incluidos Miguel Ángel, Jacopo Barozzi da Vignola y Giacomo della Porta. Las características arquitectónicas clave del Renacimiento de la fachada principal incluyen los frontones triangulares y segmentarios alternados que cubren las ventanas del piano nobile, el portal central rústico y la cornisa saliente de Miguel Ángel, que arroja una sombra profunda en la parte superior de la fachada. Miguel Ángel revisó la ventana central en 1541, agregando un arquitrabe para dar un enfoque central a la fachada, sobre la cual se encuentra el tallo papal más grande, o escudo de armas con tiara papal, que Roma haya visto.

    Palazzo Farnese: El Palazzo Farnese en Roma demuestra el uso particular de la ventana renacentista & # 8217 de dinteles cuadrados y frontones triangulares y segmentados utilizados alternativamente.

    El patio del Palazzo Farnese, inicialmente arcos abiertos, está rodeado por columnas de inspiración clásica (características de la arquitectura renacentista italiana), en órdenes ascendentes (dórico, corintio y jónico). El entablamento del piano noble recibió un friso con guirnaldas, añadido por Miguel Ángel. En el lado del jardín del palacio, que daba al río Tíber, Miguel Ángel propuso el diseño innovador de un puente que, si se hubiera completado, habría unido el palacio con los jardines de Vigna Farnese. Si bien los aspectos prácticos de lograr este puente seguían siendo dudosos, la idea era audaz y amplia. Durante el siglo XVI, dos grandes cuencas de granito de las Termas de Caracalla fueron adaptadas como fuentes en la Piazza Farnese, el rostro urbano del palacio. El palazzo fue completado para el segundo cardenal Alessandro Farnese por Giacomo della Porta & # 8217s fachada porticada hacia el Tíber (terminado en 1589). Tras la muerte del cardenal Odoardo Farnese en 1626, el palacio permaneció prácticamente deshabitado durante 20 años.


    Velázquez - Las Meninas (c 1656)

    Las Meninas de Velázquez. Fotografía: The Gallery Collection / Corbis

    El rey y la reina se paran donde tú estás parado, frente a una reunión de cortesanos. Velázquez mira desde el retrato que está pintando de la pareja real. los infanta y su séquito de doncellas (meninas) y animadores enanos se reúnen ante el monarca. A lo lejos, un ministro o mensajero está en la puerta. En un espejo brillante, el reflejo real resplandece. Esta pintura es un modelo de muchas capas de la extrañeza del mundo.
    Prado, Madrid


    Jean-Antoine Houdon, George Washington

    Después de la exitosa conclusión de la Guerra de Independencia de los Estados Unidos, muchos gobiernos estatales recurrieron al arte público para conmemorar la ocasión. Dado su papel fundamental tanto en Virginia como en la causa colonial, no es sorprendente que la Asamblea General de Virginia deseara una estatua de George Washington para exhibirla en un espacio público.

    Y así, en 1784, el gobernador de Virginia le pidió a Thomas Jefferson (otro virginiano que estaba entonces en París como ministro estadounidense en Francia) que seleccionara un artista apropiado para esculpir Washington. Buscar un escultor europeo —y para Jefferson, cuyas simpatías francófilas eran claras, preferiblemente uno que fuera francés— fue una decisión lógica dada la falta de talento artístico disponible entonces en los Estados Unidos. Por necesidad básica, este retrato de un héroe estadounidense tenía que ser realizado por un extranjero.

    Jefferson conocía al artista para esta tarea: Jean-Antoine Houdon. Formado en la Académie Royale de Peinture et de Sculpture y ganador del prestigioso Prix de Rome en 1761 cuando solo tenía veinte años de edad, Houdon era, a mediados de la década de 1780, el escultor neoclásico más famoso y consumado de Francia.

    Jefferson encargó a Houdon que completara una estatua monumental de Washington. Dada la habilidad y ambición de Houdon, el escultor probablemente esperaba moldear una estatua de bronce de tamaño más grande que el general Washington a caballo, un formato apropiado para un comandante de campo victorioso. Sin embargo, el producto final, entregado más de una década después, fue una canica comparativamente simple.

    La evidencia sugiere que se suponía que Houdon permanecería en París y esculpiría Washington a partir de un dibujo de Charles Willson Peale. Incómodo con tallar en tres dimensiones lo que Peale había representado en solo dos, Houdon hizo planes para visitar Washington en persona. Houdon partió hacia los Estados Unidos en julio de 1785 y se unió a Benjamin Franklin, a quien había esculpido en 1778, y dos ayudantes. El grupo navegó hacia Filadelfia unas siete semanas después y Houdon y sus ayudantes llegaron a Mount Vernon (la casa de Washington en Virginia) a principios de octubre. Allí tomaron medidas detalladas del cuerpo de Washington y esculpieron una máscara de vida del rostro del futuro presidente.

    Ropa contemporánea (y no una toga)

    Mientras estaba en Virginia, Houdon creó un retrato de busto ligeramente idealizado y clasicizado del futuro primer presidente. Pero a Washington no le gustó esta estética clasicista e insistió en mostrarse vistiendo atuendos contemporáneos en lugar de las prendas de un héroe de la antigua Grecia o Roma. Con instrucciones claras del modelo para ser representado con vestimenta contemporánea, Houdon regresó a París en diciembre de 1785 y se puso a trabajar en una estatua de cuerpo entero tallada en mármol de Carrara. Aunque Houdon fechó la estatua en 1788, no la terminó hasta unos cuatro años después. La estatua fue entregada al Estado de Virginia en mayo de 1796, cuando finalmente se completó la Rotonda del Capitolio del Estado de Virginia.

    & # 8220Nada en bronce o piedra podría ser una imagen más perfecta & # 8230 & # 8221

    Con el tiempo, esta estatua de George Washington se ha convertido en una de las imágenes más reconocidas y copiadas del primer presidente de los Estados Unidos. Houdon no solo capturó perfectamente la semejanza de Washington (John Marshal, el segundo presidente de la Corte Suprema escribió más tarde, "Nada en bronce o piedra podría ser una imagen más perfecta que esta estatua del Washington viviente"). Houdon también capturó la dualidad esencial de Washington: el ciudadano privado y el soldado público.

    Washington mirando a su izquierda con su uniforme militar (detalle), Jean-Antoine Houdon, George Washington, 1788-92, mármol, 6 & # 8242 2 & # 8243 de altura, State Capitol, Richmond, Virginia, (foto: Holley St. Germain, CC BY-NC-SA 2.0)

    Washington se pone de pie y mira ligeramente a su izquierda, su expresión facial podría describirse mejor como paternal. No viste una toga u otra prenda de inspiración clásica, sino su uniforme militar. Su postura imita la del contrapposto que se ve en la escultura clásica de Policleto de Doríforo. La pierna izquierda de Washington está ligeramente doblada y colocada a medio paso hacia adelante, mientras que su pierna derecha soporta peso. Su brazo derecho cuelga a su lado y descansa sobre un bastón de caballero.

    Su brazo izquierdo, doblado por el codo, descansa sobre un fasces: un paquete de trece varas que simbolizan no solo el poder de un gobernante, sino también la fuerza que se encuentra a través de la unidad. Esto representa visualmente el concepto de E Pluribus Unum- & # 8221Out of Many, One & # 8221 — un lema aprobado por el Congreso de los Estados Unidos desde 1782 hasta 1956.

    La espada del oficial de Washington, símbolo del poderío militar y la autoridad, cuelga benignamente del exterior de las fasces, un poco más allá de su alcance inmediato. Esta entrega del poder militar se ve reforzada por la presencia del arado detrás de él. Esto se refiere a la historia de Cincinnatus, un dictador romano que renunció a su poder absoluto cuando ya no se necesitaba su liderazgo para poder regresar a su granja. Como este romano, Washington renunció a su poder y regresó a su granja para vivir una vida pacífica y civil.

    Washington como soldado y ciudadano privado

    La estatua, todavía a la vista en la Rotonda del Capitolio del Estado de Virginia, es una representación casi perfecta del primer presidente de los Estados Unidos de América. En él, Houdon capturó no solo cómo era George Washington, sino lo que es más importante, quién era Washington, tanto como soldado como como ciudadano privado.

    Houdon, de enorme talento, aceptó sabiamente el consejo de Washington. De hecho, Washington sabía que era mejor ser comparado sutilmente con Cincinnatus que estar abiertamente vinculado a César, otro romano que, a diferencia de Cincinnatus, no cedió su poder.

    Horacio Greenough, George Washington, 1840, mármol, 136 x 102 pulgadas, Museo Nacional de Historia Estadounidense (foto: Steve Fernie, CC BY-NC 2.0)

    Comparar la estatua de Houdon con la estatua de Washington de 1840 de Horatio Greenough solo aclara este punto destacado. Con la insistencia de la modelo, Houdon optó por la sutileza, mientras que Greenough decidió, dos generaciones más tarde, abrazar por completo una estética neoclásica. Como resultado, la estatua de Houdon celebra a Washington como hombre, mientras que Greenough deifica a Washington como un dios.


    30 de las ruinas antiguas más impresionantes del mundo

    Si bien las estructuras modernas pueden ser más que impresionantes por derecho propio con respecto a la arquitectura, el avance tecnológico y la belleza, hay algo que decir sobre las estructuras del pasado.

    Las ruinas de todo el mundo han resistido la prueba del tiempo y permanecen en pie para que los viajeros se maravillen. (Bueno, no han resistido completamente la prueba del tiempo, de lo contrario no se llamarían ruinas). Muchos de los métodos utilizados para crear estas ciudades, templos y monumentos antiguos siguen siendo bastante misteriosos, ya que construirlos en este día. y la edad todavía se consideraría una hazaña impresionante.

    Echa un vistazo a estas 30 impresionantes ruinas antiguas de todo el mundo y compruébalo por ti mismo, y lee sobre las nuevas 7 maravillas del mundo aquí.


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